Different Periods and Directions — Modern & Contemporary: works by the gallery's artists who are inclined towards expressionism, as well as those whose art reflects the analytical methods characteristic of geometric abstraction, minimalism, and op art.
December 7, 2023 – February 15, 2024
GROUP SHOW
On December 7, Alina Pinsky Gallery opened its Group Show, featuring works from various genres by artists from the gallery’s roster—ranging from Shelkovsky to Muzalevsky, and from Turnova to Andreeva. Nearly all the works are being shown for the first time.
The exhibition brings together different periods and directions — Modern & Contemporary: works by artists inclined towards expressionism and the emotional-sensory interpretation of color and form, as well as those whose art reflects the analytical methods inherent in geometric abstraction, minimalism, and op art.
The first category includes works by Natalia Turnova (b. 1957), Igor Skaletsky (b. 1978), Natasha Khabarova (b. 1985), and Evgeny Muzalevsky (b. 1995).
Despite their varied ages, experiences, and backgrounds, all four artists are representatives of what is often termed contemporary painting. Their vision is projected onto the canvas through an analysis of their inner worlds, drifting images drawn from the subconscious. This approach is also evident in the aestheticized, often ironic works of photographer Timofey Parshchikov (b. 1983), whose pieces are also featured in the exhibition.
The “analytical” section includes the concise panels and reliefs by Igor Shelkovsky (b. 1937), the "hard contour painting" of Mikhail Chernyshov (b. 1945) and Boris Bich (1946-2018), the unique op-art “modules” from the 1970s by Tatyana Andreeva (b. 1951), and the reduced, "purified of representationalism" reality of Alena Kirtsova (b. 1954). Their creative approaches involve "reassembling" the surrounding world and natural motifs, transforming them into logically precise forms and structures.
The exhibition will run until February 5, 2024.
The exhibition brings together different periods and directions — Modern & Contemporary: works by artists inclined towards expressionism and the emotional-sensory interpretation of color and form, as well as those whose art reflects the analytical methods inherent in geometric abstraction, minimalism, and op art.
The first category includes works by Natalia Turnova (b. 1957), Igor Skaletsky (b. 1978), Natasha Khabarova (b. 1985), and Evgeny Muzalevsky (b. 1995).
Despite their varied ages, experiences, and backgrounds, all four artists are representatives of what is often termed contemporary painting. Their vision is projected onto the canvas through an analysis of their inner worlds, drifting images drawn from the subconscious. This approach is also evident in the aestheticized, often ironic works of photographer Timofey Parshchikov (b. 1983), whose pieces are also featured in the exhibition.
The “analytical” section includes the concise panels and reliefs by Igor Shelkovsky (b. 1937), the "hard contour painting" of Mikhail Chernyshov (b. 1945) and Boris Bich (1946-2018), the unique op-art “modules” from the 1970s by Tatyana Andreeva (b. 1951), and the reduced, "purified of representationalism" reality of Alena Kirtsova (b. 1954). Their creative approaches involve "reassembling" the surrounding world and natural motifs, transforming them into logically precise forms and structures.
The exhibition will run until February 5, 2024.
The exposition views
The selected works
Panel "Head," 1987
Acrylic on wood
Acrylic on wood
125 x 100 cm
Relief from the
'Profiles' series, 2000
Oil on wood
40 x 24-29 cm
'Profiles' series, 2000
Oil on wood
40 x 24-29 cm
Sohowalls Gallery: Gift Paper, 1987
Silkprint on paper
76 x 62.5 cm
Silkprint on paper
76 x 62.5 cm
Composition, 1966-1967
Gouache on paper and cardboard
38.5 x 39 cm
Gouache on paper and cardboard
38.5 x 39 cm
Unnamed, 2018
Oil on canvas
200 x 145 cm
Composition, 1995
Gouache on paper
71 x 56 cm
Composition, 1974-1975
Gouache on paper
117 х 94 см
Gouache on paper
117 х 94 см
Composition X2, 1986
Tempera on cardboard
45 x 55 cm
Tempera on cardboard
45 x 55 cm
Composition ‘Geokon’, 1987
Tempera on cardboard
51 x 67 cm
Tempera on cardboard
51 x 67 cm
Untitled, 2019
Mixed media on paper
86 x 60.5 cm
Runaway Monkey, 2023
Oil on canvas
120 x 117 cm
Oil on canvas
120 x 117 cm
Missing components, 2018
Fuji Glossy on Lightjet, Diasec
Edition: 1/5 + 1 A.P.
120 x 180 cm
Fuji Glossy on Lightjet, Diasec
Edition: 1/5 + 1 A.P.
120 x 180 cm
Mom is 48, Granma is 81 (82
already), I'm 27 (28 soon), 2023
Oil and oilstick on canvas
2 pts.: 250 x 148 cm, 253 x 148 cm
already), I'm 27 (28 soon), 2023
Oil and oilstick on canvas
2 pts.: 250 x 148 cm, 253 x 148 cm
Igor Chelkovski
Panel "Head", 1987Acrylic on wood
125 x 100 cm
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР». Живет и работает в Москве и Париже.
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Рельефы из серии "Профили", 2000
Дерево, масло
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР». Живет и работает в Москве и Париже.
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Дерево, масло
40 х 24 см, 40 x 29 см
Художник-нонконформист, скульптор, издатель знаменитого журнала «А-Я» (1979-1986) о современном неофициальном искусстве, литературе и философии.
В 1976 году художник эмигрировал в Париж, а в 1985 году был лишен советского гражданства «за совершение действий, несовместимых с принадлежностью к гражданству СССР». Живет и работает в Москве и Париже.
В работах Шелковского соединяется пластическая выразительность и образность. Стиль художника сформировался в 70-е. Тогда начались эксперименты с цветом, формой и материалами. Шелковский создает рельефы со схематичными изображениями лесных массивов или городских пространств, балансируя между живописью и скульптурой.
Шелковский также известен скульптурными «объектами», которые масштабируются до огромных размеров. Один из постоянных образов в его творчестве — графические силуэты людей, увеличенные в объеме, которые органично вписываются в городской ландшафт. В 2020 году художник получил Первую Московскую Арт премию в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Шелковского находятся в Центре Помпиду, Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее фонда Людвига в Вене, Музее Циммерли и других музеях мира.
Sohowalls Gallery: Gift Paper, 1987
Бумага, шелкография
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Бумага, шелкография
76 x 62,5 см
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Работы Михаила Чернышова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Русского Музея (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), Музея Зиммерли (штат Нью-Джерси, США) и других музеев.
Композиция, 1995
Бумага, гуашь
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в квартире Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Бумага, гуашь
71 x 56 см
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в квартире Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Работы Михаила Чернышова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Русского Музея (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), Музея Зиммерли (штат Нью-Джерси, США) и других музеев.
Композиция, 1966 - 1967
Картон, бумага, гуашь
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Картон, бумага, гуашь
38,5 x 39 см
Русский и американский художник, которого многие арт-критики называют одной из важнейших фигур советской художественной сцены второй половины ХХ века. Он параллельно работал в направлениях поп-арта и геометрической абстракции, а также был одним из пионеров перформанса в СССР.
Стиль Чернышова и основные направления его интересов начали формироваться еще в конце 1950-х, обособлено от других художников, групп и школ. Осознанно заниматься искусством он начал в 15 лет, после того как увидел работы абстрактных экспрессионистов на Американской национальной выставке в Сокольниках в 1959 году.
В 1960-х дружил с художниками Михаилом Рогинским и Владимиром Яковлевым. Тогда же в 1962 году состоялась первая квартирная выставка Чернышова под названием «Красный грузовик». Она прошла в районе Мневники в Москве в жилище Михаила Рогинского. Спустя два года Рогинский и Чернышов устроили совместную выставку в кинотеатре «Диск» в Москве.
В начале 1960-х Чернышов учился в Загорском художественно- промышленном техникуме игрушки, затем поступил на отделение истории искусств исторического факультета МГУ, но после двух курсов потерял интерес и был отчислен.
В 1974 году принял участие во «Втором осеннем просмотре картин» в лесопарке «Измайлово» в Москве, известном как Измайловская выставка. В 1975 году с группой художников провел хэппенинг «30-летие ООН» (Москва), а в 1976 — совместно с Борисом Бичем хэппенинг «Удвоение I» в Воронцовском парке (Москва). Спустя два года — в 1978 — Михаил Чернышов, Борис Бич, Константин Звездочётов, Виталий Длугий, А. Вламов провели хэппенинг «Удвоение II». В 1978 году в Горкоме графиков состоялась ретроспектива его работ с 1961 по 1978 год. В 1980 году Чернышов эмигрировал из СССР. В 1987 году написал книгу воспоминаний («Москва 1961–67») о первых годах своего творчества. Живет и работает в Нью-Йорке.
Работы Михаила Чернышова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Русского Музея (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), Музея Зиммерли (штат Нью-Джерси, США) и других музеев.
Безымянный. Из серии «Безмолвствующие», 2018
Холст, масло
200 x 145 см
Художница и скульптор, занимающая особое место в современном российском искусстве. Она выросла на Востоке: родилась в столице Афганистана Кабуле , а в возрасте пяти лет вместе с родителями переехала в государство Бирма в Юго-Восточной Азии. Исследователи творчества Турновой предполагают, что яркие, насыщенные краски Востока во многом повлияли на особенности ее колористики.
Окончив Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1983 году, Турнова познакомилась с Борисом Орловым, художником, который отметил близость ее искусства к неофициальному, что во многом определило ее дальнейший путь. С 1990-х годов Наталия Турнова стала одной из самых востребованных художниц. К этому времени она выработала свой собственный узнаваемый стиль: экспрессионистская манера, яркие цвета, большие форматы.
Турнова всегда была верна своей интуиции, не стремясь принадлежать ни к каким течениям и группировкам - и в итоге стала оригинальным художником и философом, для которого творчество - это то, что «вырастает из жизни». Именно поэтому любое ее высказывание, рожденное в ходе долгих размышлений и многочисленных "проб и ошибок", - это декларация о бытии, о сути, сделанная тонким наблюдателем и исследователем.
Работы Наталии Турновой находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Дальневосточного художественного музея, Музея Оклахомы (США), Музея современного искусства Лодзь (Польша) и других.
Треугольники «Ночь» (форточка), 1974 - 1975
Бумага Гознак, гуашь
117 x 94 см
Математик и художница, известная своими экспериментальными проектами, в которых используются оптические паттерны.
Родилась в Москве. Мать — известный дизайнер тканей, ведущая художница фабрики «Красная Роза» им. Розы Люксембург. Училась на механико-математическом факультете МГУ по специализации теоретической и математической физики. В 1970–1971 занималась в мастерской Гриши Брускина. В 1975 закончила Текстильный институт. После распределения попала в Комбинат прикладного искусства.
Получила медаль за коллекцию «Градиент» на Таллинских днях моды и медаль за коллекцию «Волна» на Рижских дня моды. Основные проекты: «Квадраты», «Насекомые», Градиент», «Городец», «Привет!», «Союз-Аполлон», «Волна», «Электрификация» (совместно с Анной Андреевой), а также «Четыре комнаты тотального дизайна» для Центрального дома туриста. Среди выставок последних лет: «Art from the USSR» (Музей Чек-поинт Чарли, Берлин, 1998), «Ткани Москвы» (Музей Москвы, 2019), «Лаборатория Будущего Кинетическое искусство в России» (Третьяковская галерея, Москва, 2020), «Everyday Soviet» (Музей Зиммерли при Университете Ратгерс, штат Нью-Йорк, США, 2020), «История российского дизайна. Избранное» (Музей дизайна, Москва, 2021), «Building Socialist Spaces» (Музей художественных ремёсел, Берлин, 2022).
Борис Бич
Композиция "Геокон", 1987
Картон, темпера
51 х 67 cм
Художник неофициального искусства, работавший в жанре геометрической абстракции. Ключевая фигура в группе нонконформистов «21». Учился в художественной студии Д. Г. Соболева. С 1975 года участвовал в неофициальных квартирных выставках. В 1977 году вступил в секцию живописи при Горкоме графиков на Малой Грузинской, 28. С 1982 года — один из лидеров группы «21», участник выставок группы «20».
Создал цикл картин, состоящий из нескольких серий: 1977 — композиции ГЕД (геометрическое единение), 1979 — композиции ГЕОКОН (геометрические конструкции), 1982 — композиции ГЕОМЕД (геометрические медиумы), 1986 — композиции ГЕОЭКС (геометрический экспрессионизм) и Пангеометрические константы, 1988 — ГЕМГЕР (геометрическая герменевтика). Новая большая серия работ последних лет «Диалоги с Малевичем» представляет собой супрематические композиции на географических картах различных регионов мира.Произведения автора находятся в Государственной Третьяковской галерее в Москве, в Государственном Русском музее в Петербурге, в Московском музее современного искусства, в частных коллекциях в России, Европе, Канаде, США.
Борис Бич
Композиция "X2", 1987
Картон, темпера
51 х 67 cм
Художник неофициального искусства, работавший в жанре геометрической абстракции. Ключевая фигура в группе нонконформистов «21». Учился в художественной студии Д. Г. Соболева. С 1975 года участвовал в неофициальных квартирных выставках. В 1977 году вступил в секцию живописи при Горкоме графиков на Малой Грузинской, 28. С 1982 года — один из лидеров группы «21», участник выставок группы «20».
Создал цикл картин, состоящий из нескольких серий: 1977 — композиции ГЕД (геометрическое единение), 1979 — композиции ГЕОКОН (геометрические конструкции), 1982 — композиции ГЕОМЕД (геометрические медиумы), 1986 — композиции ГЕОЭКС (геометрический экспрессионизм) и Пангеометрические константы, 1988 — ГЕМГЕР (геометрическая герменевтика). Новая большая серия работ последних лет «Диалоги с Малевичем» представляет собой супрематические композиции на географических картах различных регионов мира.
Произведения автора находятся в Государственной Третьяковской галерее в Москве, в Государственном Русском музее в Петербурге, в Московском музее современного искусства, в частных коллекциях в России, Европе, Канаде, США.
Недостающие компоненты, 2017
Фотопечать, пластификация. Тираж: 1/5 + 1 А.Р.
120 х 180 cм
Лауреат премии Кандинского (2013) и Московской Арт Премии (2021), один из немногих молодых российских художников, давно представляемых европейскими и азиатскими галереями.
Парщиков работает с фотографией. Его произведения отличаются, как результат полученного образования на операторском факультете ВГИКа, кинематографическим началом и синефильской эстетизацией.
Проект Color Matrix вырос из его участия в коллективной выставке Real Venice, премьера которой состоялась в рамках Венецианской биеннале 2011 года: наряду с Нан Голдин, Гарсиа Лоркой ди Корсиа, Кандидой Хофер и другими художниками Тимофей Парщиков представлял свою версию современной Венеции. Фотографии небольшого острова Бурано на периферии лагуны в ярком солнечном цвете составили серию «Матрица цвета».
Жизнь на Бурано проникает густой краской сквозь стены наружу. Здесь за любым движением тянется цветной шлейф. Каждый шаг раздавливает тюбик краски. Жизнь острова растворяется в этой цветной палитре и распадается на цветные плоскости. Тимофей Парщиков составляет из них матрицу, издалека кажущуюся абстрактной мозаикой. Но по мере приближения каждый фрагмент становится неразгаданной историей персонажа, семьи или дома.
Персональные выставки Тима Парщикова проходили в Риме, Мадриде, Париже, Кёльне, Санкт-Петербурге и Москве. Участвовал в Венецианской Биеннале (2011), в Фотобиеннале в Салониках (2014) и Фестивале фотографии в Лианьчжоу (2016).
Маме 48, Бабушке 81 (уже 82), Мне 27 (скоро 28), 2023
Холст, масло, масляная пастель
2 части: 253 x 148 см, 250 х 148 см
Один из наиболее ярких молодых представителей современной российской арт-сцены, работающий в основном в традиционной живописной технике. Выпускник мастерской Сергея Браткова в Школе Родченко в Москве, в настоящий момент Евгений продолжает обучение в Университете искусства и дизайна в Оффенбахе, Германия.
Художник начинал свои поиски с фотографии, но через графику пришел к живописи. Обращается также к скульптуре и различным медиа. Произведения, созданные в России – дикие, нервные и интенсивные, в то время как немецкие – более техничные и отрефлексированные.
Живопись Музалевского самодостаточна. Она эмоциональна и непосредственна: личные переживания преобразуются в экспрессивные линии и образы на поверхности холста.
Карьера Музалевского складывается стремительно. В Alina Pinsky Gallery прошли уже две персональные выставки; большая составная живопись «И прости наши долги, как и мы прощаем должникам нашим» получила в 2022 году Первую Премию Зверева; работы художника вошли в музейные коллекции и в значимые частные собрания.
Сбежавшая обезьяна, 2023
Холст, масло
120 x 117 см
Мультидисциплинарный художник, живущий и работающий в Москве, Тель-Авиве, Берлине и Лондоне.
Родился в Воронеже, в 13 лет вместе с родителями эмигрировал в Израиль. В 2006 году Скалецкий принял участие в своем первом групповом проекте — выставке молодого искусства Power, прошедшей в Московском музее современного искусства. Уже тогда цель его работ была обозначена кураторами как «ассоциативный поиск на основе эмоционального переживания». Спустя ещё несколько лет — в 2008 году — Скалецкий получил в Москве степень бакалавра в МГАХ им. Сурикова, в мастерской Татьяны Назаренко. В 2009 году состоялась первая небольшая персональная выставка Скалецкого в московском пространстве MEL. В последующие годы его работы были представлены на групповых и персональных экспозициях в Москве, Калининграде, Тель-Авиве, Париже, Стокгольме, а также на арт-ярмарках по всему миру, включая Арт-Базель и Арт-Пари.
Излюбленной техникой Скалецкого долгие годы был цифровой коллаж с элементами живописи, который погружал зрителя в фантасмагоричный мир образов из мировой масс-медийной и классической западноевропейской культуры. Метод художника — комбинирование или противопоставление казалось бы несовместимого визуального ряда, позаимствованного из высокой и низкой культур, который в совокупности порождает новые парадоксальные, вызывающие, кричащие образы.
В последнее время, начав эксклюзивно работать с Alina Pinsky Gallery, Скалецкий обратился к живописи, в которой гротеск сочетается с экспрессионистическим ярким колоритом и сюрреалистической компоновкой планов.
Без названия, 2019
Бумага, смешанная техника
86 x 60,5 см
Художник, родилась в Латвии, живет и работает в Санкт-Петербурге. Ее часто причисляют к представителям нового поколения петербургских живописцев. Изучала монументальную живопись в Новосибирской государственной архитектурно-художественной академии. С 2013 года регулярно выставляется на независимых площадках и в галереях Санкт- Петербурга. Участница перформансов «Школы активного рисования и перформативного позирования» группы «Север-7». С 2020 года — член Союза Художников России.
В манере Хабаровой преобладает неоэкспрессионизм. Для живописи художник часто использует поврежденные холсты: различные дефекты, потертости и дыры призваны олицетворять уязвимость человеческой натуры. В своем искусстве Хабарова рассказывает очень личную историю урбанистического телесного одиночества, хрупкости и незащищенности. Как говорит сама художница,: «Тело — это собрание рецепторов, плотская мощь, удовольствие и удовлетворение. Тело — это Бог». Хабарова пишет только с натуры, все больше абстрагируясь от изображения фигуры в пользу чувственного интимного образа. Критик Михаил Борисов так охарактеризовал ее искусство: «Наташа Хабарова из фигуративного элегантно шагает в абстракцию и метафизику».
Предыдущая
MUZALEVSKY 2023
Следующая
Лев Повзнер. Поле чудес